La domanda se la moda sia arte non trova una risposta univoca, ma la sua storia è costellata di prove inequivocabili della sua capacità di elevare il design a espressione artistica: il profondo legame tra moda e arte è indissolubile, tanto che molti sono gli artisti ad aver ispirato i giganti della moda. E ad aver poi collaborato con loro. L’abito, in questo dialogo senza fine, diventa un mezzo per vestire l’individualità, raccontare una cultura ed la filosofia del suo tempo. In questo senso, la moda è un ingranaggio della produzione di massa, ma soprattutto una forma d’arte complessa, dinamica ed in continua evoluzione, che continua a tracciare la sua strada tra bellezza e significato intrinseco.
Dalla visione al filo: il legame tra moda e arte in passerella
Questo continuo dialogo, ha dato vita a creazioni leggendarie, trasformando gli abiti in tele tridimensionali e le passerelle in gallerie d’arte viventi. Sicuramente, tra le figure più influenti del ventesimo secolo, Elsa Schiaparelli e Salvador Dalí hanno incarnato l’esprit surréaliste, dando vita a capi leggendari. Insieme riuscivano a creare manifesti del Surrealismo indossabili. Ad esempio i celebri cappelli a forma di scarpa al tailleur con le tasche-cassetto ispirato allo Stipo Antropomorfico. Le loro creazioni iconiche, come l’abito scheletro, poi rielaborato da Alexander McQueen e Christian Lacroix, che modellava il tessuto riproducendo le ossa, o l’iconico abito con l’aragosta del 1937, indossato da Wallis Simpson e poi riproposto da Bertrand Guyon per Schiaparelli, dimostrano come il loro dialogo abbia plasmato una moda audace e provocatoria.
Un altro esempio iconico è Yves Saint Laurent e la sua ammirazione per Piet Mondrian. Il Neo-Plasticismo del pittore olandese, con i suoi celebri quadri “color-blocked” di tonalità contrastanti, ispirò a YSL la collezione Haute Couture Autunno-Inverno 1965. Sei abiti da cocktail, soprannominati De Stijl, nascondevano una lavorazione meticolosa che riproponeva perfettamente il motivo color blocking di Mondrian, fondendolo con lo stile degli anni Sessanta. Questa creazione ha avuto un’eco vastissima, ispirando stilisti come Prada, Supreme, Balmain ed Hermès, a testimonianza del profondo legame moda e arte.
L’arte come motore di nuove tendenze e linguaggi visivi
La sinergia artistica che ne deriva, che non si limita ai maestri storici, continua sempre ad evolversi, generando nuove tendenze e linguaggi visivi che permeano ogni segmento del settore. Andy Warhol fu uno dei primi artisti Pop a trasformare il suo lavoro in moda, stampando i suoi disegni su abiti creati come pezzi unici per la società newyorkese del tempo. Il suo Souper Dress, del 1965, ispirato alle celebri Campbell’s Soup Cans, divenne un vero e proprio abito cult. Da allora, molti stilisti hanno celebrato la Pop Art di Warhol, da Halston a Gianni Versace, con l’iconico abito Marilyn Monroe, e così Jeremy Scott e Raf Simons.
Anche Pablo Picasso, padre del Cubismo, ha lasciato un’impronta indelebile nella moda. Jeremy Scott per Moschino ha omaggiato la sua arte nella collezione SS20, trasformando modelle come Bella Hadid in tele viventi con capi ispirati a opere come Les Demoiselles d’Avignon. Già nel 1988, YSL aveva peraltro presentato capi influenzati da Picasso, Braque e Matisse, trasformando chitarre, violini e grafiche geometriche in sculture indossabili, evidenziando questo dialogo proficuo e duraturo.
L’evoluzione delle collab: sinergie artistiche e co-creazioni culturali
Le collaborazioni tra moda e arte hanno, come abbiamo visto, radici profonde. Storicamente sinergie organiche tra operatori culturali federati alla stessa corrente di pensiero, come per i costumi di Rei Kawakubo per il coreografo Merce Cunningham, producevano collezioni controverse, spesso destinate ai musei. Oggi, il concetto di collab si è evoluto. Se in passato le collaborazioni più riuscite nascevano organicamente, oggi il focus è sull’effetto sorpresa. Tuttavia, si sta assistendo a un ritorno verso partnership a lungo termine e a un ruolo dell’ambassador come co-creatore e catalizzatore di una cultura comunitaria, come Dalí fu per Schiaparelli.
Collezioni come la rinnovata collaborazione tra Louis Vuitton e l’artista giapponese Takashi Murakami, che reinventa il monogramma con nuovi colori, motivi, AI e realtà aumentata, mostrano un dialogo tra tradizione e innovazione e un forte legame moda e arte. Allo stesso modo, Harmont & Blaine ha collaborato con il collettivo di street art Orticanoodles per creare murales floreali dipinti a mano, celebrando la biodiversità urbana e la sostenibilità. La partnership tra Alexander McQueen e Damien Hirst ha dato vita a sciarpe iconiche con motivi di farfalle, teschi e insetti, mentre Dior e Daniel Arsham hanno esplorato l’estetica del futuro attraverso installazioni scultoree. Infine, Supreme ha portato l’arte contemporanea di Jean-Michel Basquiat nel mondo dello streetwear, rendendo l’arte accessibile a una nuova generazione e rafforzando il legame moda e arte.
